Miyoko Ito’nun Gizemleri ve Özlemleri

Miyoko Ito, ölümünün üzerinden 30 yılı aşkın bir süre geçtikten sonra, kendi adını taşıyan ilk gösterisini The Space’te yapıyor. Matthew Marks Galerisi (24 Şubat – 15 Nisan 2023). Gösterinin mavi çipli bir sanat dünyası kuruluşunda olması, sanatsal başarı ile finansal uygulanabilirliğin birleşmesine işaret ediyor ve New York’ta yeterince tanınmayan ve Chicago’da daha iyi tanınması gereken bir çalışma grubuna uzun süredir hak ettiği ilgiyi çekiyor. , sanatçının yaşadığı yer. Galeri, Ito’nun çalışmalarını geniş çapta görünür kılmak için ne kadar çok şey yaptıysa da, sergiye eşlik eden (kronolojili) katalogdan başlayarak daha fazlasını yapması gerektiğine inanıyorum, çünkü hiçbir makale onun çalışmaları için bağlam sağlamıyor.

17 Mart’tan 30 Nisan 2006’ya kadar, Yukarı Doğu Yakası’ndaki küçük Adam Baumgold galerisi, Ito’nun çalışmalarının bir gösterisine ev sahipliği yaptı. İncelememde şunları yazdım:

Miyoko Ito’nun (1918–1983) resimleri, 1945’ten 1995’e kadar Chicago sanatıyla ilgili araştırma sergilerinin ve kitaplarının çoğuna dahil edilmiş olsa da, yine de Chicago’da yeterince tanınmadı ve New York’ta neredeyse hiç görülmedi. Burada en son kişisel sergisini 1978’de açmıştı. Ito’nun tanınmamasının nedenleri karmaşık, ancak bunlar arasında onun […] ne saf bir soyutlamacıydı ne de düz bir şekilde çalışıyordu, bu da onun damarlara aykırı olduğu anlamına geliyordu.

Katalogda belirttiği gibi, Ito’nun 30’lu yaşlarının başında adımlarını atması, “Otuz veya otuz bir yaşında modası geçmiş yaşlı bir kadın ressam olarak anılmaya katlanmak çok zor” anlamına geliyordu.

New York sanat dünyasının nesnellik (veya öznellik karşıtı bir konum) konusundaki ısrarı, eleştirmenlerinin ve büyük galericilerinin, Ito’nun düzlüğe, tek renkliliğe, saf optikliğe ve ızgara sütunlara karşı direnişinin bazı biyografik kaynaklarını fark etmelerini neredeyse imkansız hale getirdi. minimalizm.

Basın açıklaması, kültürel farklılığın Ito’nun estetik oluşumunda nasıl bir rol oynamış olabileceğine de işaret etmiyor. Şu anki şovun basın açıklamasında “1942’de, Berkeley’deki California Üniversitesi’nden mezun olmadan bir ay önce, o ve kocası, Franklin D. Roosevelt tarafından imzalanan bir İcra Emri uyarınca San Francisco’nun güneyindeki bir toplama kampı olan Tanforan’a gönderildi. ”, oradaki deneyimini asla tarif etmiyor. Bunun yerine, “Ertesi yıl, Ito’nun Northampton, MA’daki Smith College’da bir yüksek lisans programına katılmak üzere kamptan ayrılmasına izin verildi. 1944’te School of the Art Institute’a katılmak için Chicago’ya taşındı ve 1983’teki ölümüne kadar orada yaşadı.”

Basın açıklaması, Ito’nun Beyaz kültürel alanlarda kendine geldiğini öne sürüyor, ancak kronolojisine daha yakından bakıldığında, durumun böyle olmadığı görülüyor. Kataloğun “kronoloji” bölümünde alıntılanan bir ifade anahtar gibi görünüyor. Beş yaşındayken annesi onu ve kız kardeşini resim ve hat dersleri de dahil olmak üzere geleneksel bir eğitim alabilmeleri için Japonya’ya geri getirdi. Bu süre zarfında “çocukluk çağı sinir krizi” olarak tanımladığı şeyi yaşadı, “Hem çok acı verici hem de zevkliydi. O beş yıl, şu an olduğum şeyin kökleridir.” Basın bülteninde görmezden gelinen bir diğer gerçek de Amerika’da çalışan diğer Japon sanatçılarla olan ilişkisi. Ito ve kocası toplama kampındayken, “kampta sanatçı ve Berkeley profesörü Chiura Obata tarafından başlatılan bir program aracılığıyla Tanforalı mahkum arkadaşlarına sanat dersleri” verdi.

Çağdaş bir gravür ve sumi mürekkebi resim ustası olan Obata, kamp yönetiminin onayıyla, kendisi ve ailesi Tanforan’a gönderildikten bir aydan kısa bir süre sonra bir sanat okulu açtı. Paris’te Fernand Léger ile çalışmış ve Diego Rivera’ya San Francisco Körfezi’nin ortasındaki Treasure Island duvar resminde yardımcı olan Miné Okubo (1912–2001) dahil olmak üzere 16 eğitmenden oluşan bir grup oluşturdu. Eğitmenlerin mesleki başarıları, Ito’nun geliştiği ilk destekleyici sanat dünyası topluluğunun tamamen Japon olduğunu ve ayrılmış ABD’nin geri kalanından tamamen ayrı bir şekilde var olduğunu gösteriyor.

Ito’nun suluboya ve litografiden yağlı boyaya geçişi kolay olmadı. 1950’de Dennis Barrie ile yaptığı bir röportajda, “Yağlı boya sürecini gerçekten sindirmenin beş yılımı aldığını söylediğimde kimse bana inanmıyor. Ama gerçek bu.”

Ito’nun sanat pratiği, Japonya’da yaşamak, mürekkeple resim ve sulu boyaya olan kökleri ve genç bir yetişkinken bir grup başarılı Japon sanatçıyla olan ilişkisi tarafından bilgilendirildi; bu güçler, asimilasyonun imkansız olduğu farklı bir yörünge izlemesine yardımcı oldu. Chicago sanat dünyası onu kucaklarken (ona Hyde Park Sanat Merkezi’nde kişisel bir sergi açan sanatçı ve küratör Don Baum ve Ray Yoshida, Roger Brown, Jim Nutt ve Gladys Nilsson gibi sanatçılarla olan arkadaşlığının aktardığı gibi) ), New York – 1975 Whitney Bienali’nde çalıştığı yer – ondan hiç hoşlanmadı. 2018 yılında Miyoko Ito: Kalplerin KalbiBerkeley Sanat Müzesi’nde ortaya çıkan Art Space’e küçük bir tantanayla gitti, bunun kısmen nedeni, kısmen New York sanat dünyasının Yoko Ono, Yayoi Kusama ve Ruth dışında Asyalı Amerikalı kadın sanatçıların varlığını henüz tanımamış olmasıydı. Asawa.

Sergi, 1948 ile ’83 yılları arasında yapılmış 16 yağlı boya tablo ve 1949-50 yılları arasında yapılmış üç litografiyi içeriyor. Ito’nun, Kübizm’den etkilenen “Şövale ve Masa” (1948) gibi birbirine uyan düz şekillerle çalışan bir ressamdan, öldüğü yıl yaptığı “Birinci Veronda” (1983) tablosuna kadar olan gelişimini çiziyorlar. hala Jim Nutt ve Gladys Nilsson’ın koleksiyonunda ve o on yılın gösterideki tek tablosu.

Serginin en güçlü tabloları, 1970 ile ’77 arasına tarihlenen, meme kanserinden kurtulan ve çift mastektomi geçiren bekar, evde oturan bir anne olarak yıllarca geçirdikten sonra nihayet tam zamanlı resim yapabildiği 10 tablo. Gösterinin kanıtladığı gibi, 1970’lerde Ito, kimseninkine benzemeyen bir çalışma bütünü yaratmanın ötesine geçti ve özlem ve gizemle dolu soyut görüşler uyandırdı. Bunu, kompozisyona, uzamsal ilişkilere, gradyan rengine, ince ton kaymalarına ve kökleri Asya sanatı ve mobilyalarına dayanan ve pek görülmeyen vermilyonlar, kahverengiler, turkuaz maviler ve yeşiller ve sarılardan oluşan bir palete olan ilgisiyle başardı. Avrupa-Amerikan sanatında. Ito, ilhamlarını – Kübizm, Paul Klee ve Chicago İmgecilerinden süzülen gerçeküstücülük – suluboya ve mürekkeple resim çalışmaktan gelen parlaklık ve tonalite konusundaki farkındalığına ve kişisel deneyimine birleştirdi.

“Heart of Hearts, Basking” (1973)’te, resmin üst kenarının hemen altındaki girintili bir alana, kenarları yuvarlatılmış bitişik bantlarla çerçevelenmiş bir dikdörtgen yerleştirilmiştir. Dikey resim yatay olarak bölünmüştür. Alt yarıya kıvrımlı düz şekiller hakimken, üst yarı küçük şekillerin ve eğimli düzlemlerin uzamsal olarak karmaşık bir düzenlemesidir. Degrade renk, görsel deneyime başka bir dokunuş katar. Bu görüşün yaşanmış veya hatırlanmış bir şeye dayandığını hayal etmek zor. Girintili dikdörtgen bir tür portal mı? Ortada yüzen çok renkli dikey doğrusal form nedir? Resmin kenarlarında, tuvali desteğine sıkıca tutturan, sedyeye tam olarak çakılmamış raptiyeler var. Sanki Ito tablonun üzerinde daha fazla çalışılması gerekip gerekmediğine karar vermemiş gibi. Hem bitmiş hem de bitmemiş olma hali sergiye musallat oluyor.

“Deniz Sandığı” (1973) için başlık, Ito ve ailesinin 1920’lerde San Francisco’dan Japonya’ya yelken açtığı gerçeğini ima edebilir. Sol üstteki kemerli form, sakin turkuaz mavisi denize bakan bir pencere mi yoksa bir ayna mı? Altı dikdörtgene bölünmüş bir sandık üzerinde duruyor gibi görünüyor. Bir çemberden inen çizgilere ne okunabilir? Bu, Ito’nun Çin ideogramlarını kullanarak Japonca yazdığı kanji ustalığına bir selam mı? Dikdörtgen ya da kemerli bir düzlemin kullanıldığı kompozisyonlarda, kavrayamadığımız bir şeyi görürüz. Tabloyu bir özlem ve gizem, izolasyon ve yalnızlık duygusu dolduruyor. Ito’nun henüz kapsamlı bir monografiye sahip olmaması affedilemez.

Miyoko Ito 15 Nisan’a kadar Matthew Marks Gallery’de (522 West 22nd Street, Chelsea, Manhattan) devam ediyor. Sergi galeri tarafından düzenlendi.